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LAV DIAZ : FAIRE FACE

2022-05-13T18:37:00Z

Cet ouvrage riche de nombreuses images est le premier, en français, consacré à l'œuvre de Lav Diaz. Il réunit les contributions de chercheurs et de critiques de cinéma, un journal de tournage, ainsi que des entretiens inédits.

L'œuvre cinématographique de Lav Diaz est pétrie des espoirs et des souffrances d'un peuple philippin exposé tant à la violence d'État qu'aux cataclysmes climatiques qui dévastent régulièrement l'archipel. Ses films-fleuves s'arriment à la destinée des opposants, des marginaux et des laissés-pour-compte.

Faire face à l'histoire et aux conséquences tragiques des colonisations successives, encourager les résistances, raviver des pratiques animistes progressivement oubliées, ou encore restaurer la dignité des disparus : les fresques de Lav Diaz s'érigent contre le silence, l'amnésie et le refoulement.

Avec les textes et les contributions de : May Adadol Ingawanij, Mac Alejandre, Cyril Béghin, Gabriel Bortzmeyer, Fabienne Costa, Lav Diaz, Jean-Christophe Ferrari, Pierre Jailloux, Hervé Joubert-Laurencin, Ricardo Lee, Larry Manda, Corinne Maury, Hazel Orencio, Sylvie Rollet, Alexis A. Tioseco, Olivier Zuchuat.

Lav Diaz est né en 1958 sur l'île de Mindanao, aux Philippines. Il a réalisé de nombreux longs métrages, dont plusieurs ont été récompensés dans les festivals de Venise (Death in the Land of Encantos, 2007 ; Melancholia, 2008 ; The Woman Who Left, 2016. Genus pan, 2020), de Berlin (A Lullaby to the Sorrowful Mystery, 2016) et de Locarno (From What Is Before, 2014).

Ouvrage publié avec le soutien de Head – Genève et du CNC.

SAGESSE DES LIANES

Touam Bona*Dénètem — 2021-10-08T08:03:00Z

Des Caraïbes à la Papouasie, l'enchevêtrement inextricable des lianes entrave la pénétration coloniale. Premier obstacle à la quête de l'Eldorado et au régime des plantations, la liane est le serpent, l'hydre végétale qui, aux yeux du colon, fait d'une forêt vierge et tentatrice un enfer vert. Tout en torsions et contorsions, la langue fourchue des lianes ne peut sécréter qu'une sagesse de singe : un gai savoir qui convertit, l'espace d'une grimace, la douleur de l'oppression en éclats de rire. Dénètem Touam Bona met en scène la sagesse subversive des luttes « indigènes » contre la marchandisation intégrale du vivant, dont l'anthropocène n'est que l'ultime avatar.

En créole, « lyann » désigne ce qui permet de faire cercle, de faire corps ensemble, mais aussi d'encercler les dominants par une fine trame de conjurations continuelles : depuis les fuites et les sabotages jusqu'à l'insurrection générale, en passant par les pratiques de contre-plantation du « jardin nègre ». Dénètem Touam Bona rend ici hommage à la sagesse des luttes pionnières « indigènes » contre la marchandisation intégrale du vivant dont l'anthropocène n'est que l'ultime avatar.

Le « lyannaj » est né dans les champs de canne où il désignait à l'origine ce doigté, cette dextérité, ce mouvement textile par lequel on cousait ensemble les roseaux sucrés de Babylone : les cannes à sucre. Ce geste technique essentiel à l'exploitation, à la dépossession, à la vampirisation des corps esclavagisés est devenu dans les Antilles françaises, par un étrange renversement, l'expression la plus puissante de la solidarité, de la créativité, des liens qui nous délient : ceux de la poésie, du chant, des sociétés de travail et d'entraide, des cultes et rythmes afrodiasporiques.

Détournement créateur d'un geste associé à l'exploitation esclavagiste, le lyannaj montre que c'est au sein même de la plantation que se déploient des ripostes qui passent par un faire corps, un faire front furtif d'où émergera tout un « Pays en dehors » (expression haïtienne) : des refuges, aussi éphémères soient-ils, où reconstruire une humanité niée. Ce mouvement de subversion qui produit à travers des gestes furtifs une version clandestine de la réalité – des « undercommons » (Fred Moten, Stefano Harvey), des « sub-communs » –, c'est peut-être la langue tortueuse de la liane, toute en torsion et contorsion, qui l'exprime le mieux.

La liane dispose en effet d'un formidable don d'entrelacement, c'est la plante volubile par excellence (est dite volubile une plante qui s'enroule). Ne disposant pas d'un tronc rectiligne, son échappée vers les cieux n'est possible que parce qu'elle compte sur les autres, parce qu'elle se mêle aux autres, tout en les entremêlant. La liane n'est finalement rien d'autre que cette course vers la lumière, qui s'élance de la chair humide et opaque des sous-bois pour rejoindre le drapé d'émeraude de la canopée.

Le mouvement de la liane est à la fois philosophique et poétique, il obéit au principe du détour et de la correspondance : tout en variations créatrices, en zig-zag, ici et là, par-dessus, par-dessous, par l'interstice des rochers ou le tremplin des souches, la ligne de fuite du lyannaj parcourt tous les étages de la forêt, sans priorité ni hiérarchie, enchâssant des formes de vie a priori sans rapport : fourmis processionnaires, mantes religieuses, singes hurleurs, épiphytes chutant jusqu'au sol, mousses expansives, une multitude de vivants empruntent et recréent, à chaque instant, les routes fractales du lyannaj.

Le lyannaj est une façon de composer les forces et les formes, une composition en mode mineur, une fugue végétale. Par son parcours vertigineux, la liane incarne aussi le pouvoir de « traverser » et d'être nourri par ce que l'on traverse (et vice-versa) : les strates des sous-sols, le fourmillement des sous-bois, la chute inversée des fougères et des arbres tropicaux.

Chaque type de liane appartenant à des familles végétales distinctes, la liane n'est pas une espèce : frondeuse et indocile, elle subvertit d'emblée les classifications « disciplinaires » – cette manie coloniale de répertorier les vivants par ethnies aux frontières bien étanches. La liane désigne moins un être – une identité – qu'une certaine façon pour une pulsation végétale d'explorer et de dérouler un territoire au fil de son avancée, en y traçant des lignes inédites.
Maîtresses des carrefours, certaines lianes sont les alliés privilégiés du chamane qui « rêve », tout en les secrétant, les « confuses paroles » de l'au-delà du visible. C'est ainsi que l'ayahuasca, la liane des morts, est l'expression par excellence de l'esprit de la forêt qui révèle les correspondances secrètes entre les multiples dimensions de la réalité : une « théorie des cordes ». L'écheveau aérien des lianes, tout comme le lacis souterrain des racines et du mycélium font de la forêt une toile mouvante et métamorphe, au regard de laquelle nos réseaux cybernétiques et nos « intelligences artificielles » ne sont que de pâles approximations. C'est à un cosmos en constante réinvention que nous initie l'atelier textile des lianes : une cosmo-poétique que menace la « mondialisation » – la consumation de la planète sous la forme morbide de la marchandise. Par l'usage qui en est fait en Guadeloupe et en Martinique, où cette expression désigne des pratiques d'alliance allant de la jam-session (lyannaj musical) au lyannaj kont pwofitasyon des collectifs de citoyens, le lyannaj réactive l'esprit de la forêt, l'esprit du marronnage. Rien d'étonnant, puisque la liane, malgré sa condition de plante pionnière, s'est toujours opposée à la pénétration coloniale : elle a toujours été perçue par les envahisseurs comme une plante entravant la transformation de la forêt vierge et inculte en monoculture industrielle. Le lyannaj renvoie donc aux premières pratiques de contre-plantation et à l'autodéfense des puissances sylvestres.

Il y a ainsi de nombreux enseignements à tirer du savoir-faire, du savoir-vivre des lianes. Il ne s'agit pas tant d'« atterrir », comme nous y enjoignent certains maîtres en vie « terrestre », que de maintenir la tension entre terre et ciel. Cela ne va pas sans frictions, puisqu'à l'image des cordes, les lianes ne consistent que par le frottement de leurs fibres. Le mode opératoire de la liane ne se réduit pas à l'établissement de relations. L'aptitude à développer des attachements n'est source de liberté que si l'on est capable aussi de faire sécession, car il est également des liens toxiques. Il faut donc savoir s'arracher à la pesanteur terrestre, convertir le poids en légèreté.

La sagesse des lianes est une sagesse de singe : la folie, les simagrées, les parodies, les retournements et détournements carnavalesques en constituent un ingrédient essentiel. Dans les torsions-contorsions du « KRUMP » (danse urbaine afro-américaine née peu après les émeutes de Los Angeles, 1992), la grimace du « nègre » – que le maître croit dénigrer en l'associant au singe – convertit la douleur de l'oppression en inservitude du rire. L'indocilité du nègre marron s'inscrit dans l'indocilité du vivant : la poussée irrépressible de la liane (et de la forêt en général) qui toujours s'oppose, en nous, au mouvement courbe de l'humiliation et de la servitude.

Dénètem Touam Bona. Collaborateur de l'Institut du Tout-Monde (centre dédié à l'œuvre d'Édouard Glissant) et de revues telles qu'Africultures ou Terrestres, il est l'auteur d'un essai philosophique et littéraire : Fugitif, où cours-tu ? (PUF, 2016). Dénètem Touam Bona ne cesse de multiplier les expériences : formation et ateliers d'écriture en prison, documentaliste dans un réseau de solidarité internationale, professeur de lettres et de philosophie en Guyane et à Mayotte, etc. Depuis quelques années, il collabore régulièrement à des projets de création, en tant que dramaturge notamment.

Dénètem Touam Bona est commissaire de l'exposition collective « La Sagesse des lianes » organisée au Centre international d'art du paysage Île de Vassivière à partir du 18 septembre 2021.

Présentation de l'exposition.

Série de podcasts enregistrée par Marie-Yemta Moussanang d'Afrotopiques à La Vassivière, en septembre 2021.

Entretien de Dénètem Touam Bona avec Bastien Marchand sur usbeketrica.com (mars 2022).

Compte rendu des Ateliers de la pensée (Dakar, mars 2022) par Valérie Marin sur lepoint.fr.

Entretien de Dénètem Touam Bona avec Boulomsouk Svadphaiphane sur hiya.fr (mars 2022).

Entretien de Dénètem Touam Bona avec Marie Richeux dans l'émission Par les temps qui courent sur France Culture (mai 2022).

Carte blanche à Dénètem Touam Bona dans le cadre des “échos du territoire”, une escale sur invitation du Frac Nouvelle-Aquitaine MÉCA autour de l'exposition La sagesse des lianes qui s'est déroulée du 19 septembre au 28 novembre 2021 au centre international d'art et du paysage de Vassivière.

Entretien avec Cy Lecerf Maulpoix sur contretemps.eu (juin 2022)

NOTES DE LA FORTERESSE (1967-1999)

Kramer*Robert — 2019-11-08T10:35:00Z

Robert Kramer a écrit abondamment, avant, pendant, après les films, des « notes » et des projets, des fictions et des essais, d'innombrables carnets intimes et fichiers informatiques composés de fragments, comme des textes longuement mûris destinés à la publication. Cette matière considérable est l'un des ciments cachés de son œuvre, où se négocie de manière plus explicite que dans ses films son rapport à la subjectivation politique, à l'autofiction ou aux entrecroisements entre documentaire, propagande et fabulation.

L'œuvre cinématographique de Robert Kramer fait l'objet d'une reconnaissance internationale croissante. Elle s'accompagne d'un important corpus de textes préparatoires, lettres, notes et scénarios aujourd'hui conservés à en France l'IMEC (Institut mémoires de l'édition contemporaine).

Le présent projet de livre a initialement été conçu du vivant de l'auteur, en complicité amicale avec l'historien du cinéma Bernard Eisenschitz. La disparition brutale de Robert Kramer en 1999 ainsi que diverses déconvenues éditoriales ont entravé sa publication jusqu'à aujourd'hui.

Les textes de Robert Kramer révèlent la figure d'un cinéaste doté d'une conscience aigüe de l'histoire et des injustices sociales, dont l'engagement dans les luttes politiques de son temps est indissociable de ses films. Il a inventé des formes d'expression cinématographique inédites, mêlant l'expérience collective et certaines aspects biographiques pour produire des formes de fictions documentaires dont l'aspect novateur est loin d'être épuisé.
Les textes ici réunis sont ceux qui entretiennent le lien le plus étroit avec ses films (réalisés ou non). Rédigés avant, pendant, ou après le tournage ou la sortie d'un film, ils apportent un éclairage précieux sur l'engagement politique et artistique (les deux n'étant pas dissociables à ses yeux), la méthode de travail de Robert Kramer, et instruisent la compréhension de son œuvre.

Robert Kramer (1939-1999) est un cinéaste américain venu s'installer en Europe au début des années 1980. Il est le cofondateur de l'agence cinématographique alternative Newsreel, créée en 1967 aux États-Unis, et toujours active aujourd'hui, dont l'objectif était de produire de l'information par les images en opposition aux médias dominants. Il est l'auteur de vingt-cinq films majoritairement réalisés alors qu'il résidait en France. Les films Route One/USA, Walk the Walk, Milestones et Ice ont fait l'objet d'éditions récentes en DVD chez Montparnasse, Cahiers du cinéma, Capricci.

Une rétrospective intégrale des films de Robert Kramer est programmée du 6 au 24 novembre 2019 à la Cinémathèque française.

RICHARD LINKLATER, CINÉASTE DU MOMENT

2019-11-08T06:49:00Z

Complexe, l'œuvre du cinéaste Richard Linklater l'est autant par son jeu de bifurcations narratives ou sa manière de circuler entre les états psychiques que par la profusion des discours théoriques qui la peuplent. Ce premier ouvrage sur Richard Linklater, se propose d'explorer la diversité foisonnante des fictions de ce grand cinéaste du « moment ».

De Slacker, qui se trame au gré des déambulations de ses personnages, jusqu'à Boyhood, tourné sur une période de douze années afin de témoigner au plus près de la lente maturation des corps, les films de Richard Linklater apparaissent comme autant d'occasions de briser l'étau de la dramaturgie cinématographique conventionnelle.

Le temps n'y est plus un engrenage implacable mais le lieu des possibles, de l'ouverture et de la perte. À la fois multiple et cohérente, l'œuvre de Richard Linklater est ainsi devenue au fil de trois décennies le creuset d'un cinéma du « moment » qui, dans sa quête d'un sentiment de présence au monde, révèle avec une attention sans cesse renouvelée la secrète puissance des songes et des temps de la vie habituellement regardés comme « faibles ».

Premier ouvrage consacré à Richard Linklater, publié avec la complicité éditoriale de la revue Débordements et en partenariat avec le Centre Pompidou, Richard Linklater, cinéaste du moment se compose d'un important entretien inédit mené à Paris en juillet 2019 et des contributions critiques d'Adrienne Boutang, Fernando Ganzo, Romain Lefebvre, Raphaël Nieuwjaer, Judith Revault d'Allonnes et Jean-Marie Samocki, qui interrogent et approfondissent les thèmes essentiels de l'œuvre engagée et polymorphe du cinéaste.

LE JEU VIDÉO OU L'ALIÉNATION HEUREUSE

Hoare*Douglas — 2019-09-20T09:25:00Z

« Plus le joueur obéit aux stimulations du programme, plus il se conforme sans retard aux ordres de la machine, plus il contraint ses gestes à suivre la cadence imposée et plus son personnage triomphe. Le héros qui le représente accumule les victoires et multiplie les exploits. Autrement dit, plus l'avatar est libre, plus le joueur est esclave. En jouant à un jeu vidéo, on échange une soumission réelle contre une liberté simulée. »

Le jeu vidéo est une transformation du jeu dans le sens du travail. L'unité du processus et des liens vivants qui soutenaient l'activité ludique est dissoute au profit d'une atomisation et d'une rationalisation fondée sur le calcul, sur la séparation des tâches et la spécialisation des sujets préposés à ces tâches. Le joueur est devenu l'opérateur d'un programme. Mais contrairement à ce qui prévaut dans le monde du travail, la soumission est ici non seulement vécue, mais désirée : alors que l'ouvrier éprouve la contrainte de la machine, le joueur de jeu vidéo s'imagine aussi libre qu'un musicien virtuose. Cela résulte de ce que le jeu vidéo réalise une synthèse inédite du spectacle et du travail automatisé.

« Les partisans du métavers souhaitent, consciemment ou non, que l'utopie disciplinaire du jeu vidéo soit transposée dans la vie » : tribune de Douglas Hoare dans Le Monde [25 septembre 2022].

CE QU'EST L'ART

Danto*Arthur C. — 2019-05-17T06:30:00Z

« Selon Danto, la pertinence même de la notion d'esthétique a été largement mise à l'épreuve au cours du vingtième siècle. Les ready-mades de Marcel Duchamp constituent ainsi à ses yeux l'exemple même de la façon dont l'art a pu se désolidariser des questions de “beauté” et de “goût” auxquelles s'accrochait farouchement l'esthétique traditionnelle. Et, dans le même temps, les questions posées par la philosophie n'ont cessé de se révéler toujours plus pertinentes, au regard des bouleversements dont l'art a été le théâtre. » Joseph Tanke

Édition de poche de l'ouvrage publié en coédition avec Questions Théoriques en 2015.

Que signifie au juste « être une œuvre d'art » ? Telle est la question posée ici par Arthur Danto. Mêlant réflexions philosophiques et anecdotes plus personnelles, Ce qu'est l'art remet en question l'idée communément répandue selon laquelle l'art serait un concept impossible à définir, au profit d'une argumentation essentialiste, mettant en lumière des propriétés universelles des œuvres d'art.

Pour Danto, toute œuvre d'art, quelle que soit la façon dont on la considère, peut être définie selon deux critères essentiels : la signification, d'une part, et l'incarnation de cette signification, d'autre part, auxquelles vient s'ajouter la contribution interprétative du regardeur.

L'une des grandes qualités de Danto est de toujours procéder de façon remarquablement accessible. Partant de la définition philosophique de l'art donnée par Platon dans sa République, Arthur Danto en retrace une histoire qu'il conçoit d'abord comme une succession de découvertes mimétiques, de l'invention de la perspective à celle du clair-obscur, en passant par les avancées opérées dans l'art du portrait. À l'appui de cet examen poussé de la richesse et de l'université du concept d'art, Arthur Danto convoque aussi bien des philosophes – Descartes, Kant, Hegel, Heidegger ou Charles Sanders Peirce – que des artistes – de Michel-Ange à Warhol, en passant par Poussin, le Lorrain ou Marcel Duchamp. Pour conclure, Danto revient une nouvelle fois sur l'un de ses exemples favoris : celui des Boîtes Brillo d'Andy Warhol, objets d'art indiscernables, visuellement, des objets qui les entourent, et pourtant définitivement – car philosophiquement – distincts.

« Ne décrivez plus jamais Danto comme un spécialiste en esthétique, fût-ce pour dire qu'il est le plus grand spécialiste en esthétique de tous les États-Unis. Danto y insiste dans son dernier livre, Ce qu'est l'art : ses travaux ont bien moins à voir avec l'esthétique qu'avec la philosophie de l'art. Car pour lui, ces deux termes, si souvent considérés comme de quasi-synonymes, ont en réalité bien peu à voir l'un avec l'autre. D'un côté, l'esthétique, convoquant des notions telles que celles de plaisir et de sensations, part du principe que certaines formes sensibles seraient préférables, “plus belles” ou “meilleures” que d'autres. De l'autre, la philosophie de l'art s'intéresse à des questions d'ontologie et cherche à déterminer ce qui distingue les objets d'art des autres objets, dans le but sans cesse poursuivi de répondre à une question : qu'est-ce qui fait de l'art, de l'art ?

Selon Danto, la pertinence même de la notion d'esthétique a été largement mise à l'épreuve au cours du xxesiècle. Les ready-mades de Marcel Duchamp constituent ainsi à ses yeux l'exemple même de la façon dont l'art a pu se désolidariser des questions de “beauté” et de “goût” auxquelles s'accrochait farouchement l'esthétique traditionnelle. Et, dans le même temps, les questions posées par la philosophie n'ont cessé de se révéler toujours plus pertinentes, au regard des bouleversements dont l'art a été le théâtre.

Danto plaide ici pour un véritable essentialisme, en vertu duquel il serait possible de parvenir à une définition de l'art valable pour toutes les œuvres, tous les temps et tous les lieux. Ses prédécesseurs n'ont cessé, selon lui, de lier leurs définitions de l'art à des phénomènes contingents – la plupart du temps, des qualités esthétiques uniquement liées à l'époque dans laquelle vivaient ces philosophes –, au lieu de les rapporter à des qualités véritablement essentielles. C'est ainsi que, contemplant les statues particulièrement ressemblantes qui ornaient les lieux publics de la Grèce ancienne, Platon a cru pouvoir établir que l'essence de l'art avait à voir avec quelque chose comme l'imitation. Or, après avoir examiné et écarté plusieurs définitions, Danto en arrive à ce qui, selon lui, définit au plus près l'articité de l'art. Cela tient en quelques mots : les œuvres d'art sont des significations incarnées. À ce titre, elles appellent, de la part du spectateur, un acte d'interprétation visant à saisir l'intentionnalité qui y est encapsulée.

Au gré d'une histoire philosophique de l'art, Arthur Danto passe en revue quelques-unes des questions fondamentales que posent la restauration de la chapelle Sixtine, les ready-mades de Marcel Duchamp ou les expérimentations d'Andy Warhol. Dernier ouvrage publié du vivant de son auteur aux États-Unis, Ce qu'est l'art en est aussi l'un des plus passionnants, et des plus accessibles. »

(Traduction partielle de l'article « The Artness of Art : Arthur Danto's “What Art Is” », de Joseph Tanke, publié sur le site Art in America de la John F. Kennedy University de Californie.)

Édition originale : Arthur Danto, What Art Is, Yale University Press, 2013.

Recension par Géraldine Mosna-Savoye, dans Les nouveaux chemins de la connaissance sur France Culture (3 juin 2015, minute 50) :

Recension par Aliocha Wald Lasowski dans l'Humanité (30 juin 2015).

"L'art mis en boîte", article de Marc Jimenez sur La vie des idées (décembre 2015).

LES LEÇONS POLITIQUES DE GAME OF THRONES

Iglesias (sous la direction de)*Pablo — 2019-02-15T21:30:00Z

[Édition poche de l'ouvrage paru en 2015] À ceux qui douteraient que la fiction puisse instruire la réalité, cet ouvrage propose une démonstration particulièrement convaincante. Alors que l'Europe est toujours davantage sujette à la crise économique et aux replis identitaires, mais qu'elle offre également de nouvelles perspectives aux politiques d'émancipation, de jeunes chercheurs espagnols réunis autour de Pablo Iglesias et du parti Podemos tirent les enseignements politiques et théoriques de la série télévisée Game of Thrones : la politique est un champ de bataille, où sans péril, nul ne saurait vaincre.

« Winter is coming » – l'hiver vient. Cette inquiétante prophétie, leitmotiv de la très politique série Game of Thrones, n'est sans doute pas étrangère à son exceptionnel succès mondial. Car nos présentes « années d'hiver » témoignent du règne bien réel et sans partage des « Marcheurs blancs » d'une économie devenue synonyme d'impuissance politique. Elles appellent une contre-offensive tout aussi réelle, à l'image de celle qu'ont initiée les mouvements citoyens qui se sont exprimés sur la place publique en Espagne, en Grèce, aux États-Unis, et dont le parti espagnol Podemos a spectaculairement émergé en 2014. La fantasy médiévale de Game of Thrones, tout entière versée dans la conquête et la préservation du pouvoir – tantôt par la ruse, tantôt par la force, le plus souvent par une combinaison des deux –, fournit au porte-parole de Podemos Pablo Iglesias et à ses camarades l'occasion de questionner à nouveaux frais les stratégies politiques à mettre en œuvre lorsqu'on ne prétend plus seulement critiquer le régime dominant (ce dont ce dernier s'accommode bien volontiers), mais bel et bien le renverser. Il en résulte un passionnant ouvrage de politologie collective appliquée, où les situations et personnages de la série et les grandes théories de Nicolas Machiavel, Thomas Hobbes, Antonio Gramsci, Lénine, Carl Schmitt et Ernesto Laclau s'éclairent réciproquement.

En juin 2014, Pablo Iglesias explique sur Canal+ Espagne les raisons de son intérêt pour Game of Thrones et annonce la parution de son livre :

Table

Pablo Iglesias Turrión, « Vaincre ou mourir »
Juan Carlos Monedero, Cinéma et politique
Daniel Iraberri Pérez, Luis Alegre Zahonero & Pablo Iglesias Turrión, Vaincre ou mourir sur l'échelle du chaos : légitimité et pouvoir
Rubén Martínez Dalmau, La légitimité du pouvoir royal dans Game of Thrones
Íñigo Errejón Galván, Power is power. Guerre et politique
Pablo Iglesias Turrión, Matchs de boxe et parties d'échecs entre l'ombre et l'épée
Héctor Meleiro, Pourquoi Ned Stark perd-il la tête ?
Eneko Compains, Jeu à la déloyale et lutte de pouvoir
Tania Sánchez Meleiro, Royaumes ou partis
Rubén Herrero de Castro, Réalisme et dragons idéalistes
Cristina Castillo & Sara Porras, Game of Roles. La subversion féministe
Clara Serra Sánchez & Eduardo Fernández Rubiño, Pouvoir et subjectivité dans Game of Thrones
Santiago Alba Rico, Climat, corps et politique
Antonio J. Antón Fernández, Dompter le dragon par trois fois

Les auteurs

Pablo Iglesias Turrión, né à Madrid en 1978, est docteur en sciences politiques à l'université Complutense de Madrid. Il anime les émissions de télévision « La Tuerka » et « Fort Apache ». Député européen, il est actuellement secrétaire général de Podemos. Il est l'auteur de plusieurs ouvrages de sciences politiques.
Santiago Alba Rico est écrivain, essayiste, scénariste et philosophe. Il a étudié la philosophie à l'université Complutense de Madrid, et publié des essais de philosophie, d'anthropologie et de politique. Il vit aujourd'hui à Tunis, et a écrit plusieurs ouvrages sur le monde arabe et sur l'islam.
Luis Alegre Zahonero est docteur en philosophie et professeur à l'université Complutense de Madrid. Philosophe et écrivain espagnol, membre du conseil citoyen de Podemos, ce spécialiste de l'Amérique latine a notamment travaillé pour le ministère de la Culture du Venezuela.
Antonio José Antón Fernández est philosophe, directeur espagnol de la revue Transform ! et auteur d'essais philosophiques. On lui doit notamment les traductions en castillan des œuvres de Slavoj Žižek.
Cristina Castillo Sánchez est titulaire d'une licence de sciences politiques. Elle a travaillé sur les théories féministes, ainsi que sur la gestion des conflits.
Eneko Compains Silva est titulaire d'une licence en droit et en administration et direction des entreprises à l'université publique de Navarre. Il est chercheur en droit constitutionnel à l'université du Pays basque, où il a travaillé sur le nouveau constitutionnalisme latino-américain.
Iñigo Errejón Galván est docteur en sciences politiques de l'université Complutense de Madrid, politologue et homme politique espagnol. Membre du conseil de coordination de Podemos, il fut le directeur de campagne du parti lors des élections européennes de 2014.
Eduardo Fernández Rubiño est étudiant en philosophie à l'université Complutense de Madrid. Membre du conseil citoyen de Podemos, il est responsable des réseaux sociaux pour le parti.
Rubén Herrero de Castro est docteur en sciences politiques à l'université Complutense de Madrid, où il est professeur de relations internationales.
Daniel Iraberri Pérez est chercheur au département de philosophie de l'université Complutense de Madrid. Il a collaboré à plusieurs ouvrages, et participé à la fondation de Podemos.
Rubén Martínez Dalmau est professeur titulaire de droit constitutionnel à l'université de Valencia. Il a étudié les processus constituants en Amérique latine.
Héctor Meleiro Suárez est diplômé de sciences politiques à l'université Complutense de Madrid. Il a travaillé à la rédaction des programmes « La Tuerka » et « Fort Apache ». Il suit des études de cinéma documentaire à l'Institut du cinéma de Madrid.
Juan Carlos Monedero est politologue, essayiste, professeur de sciences politiques à l'université Complutense de Madrid. Il a travaillé comme consultant pour le gouvernement du Venezuela. Il présente le programme de débat politique « La Tuerka ». Il était secrétaire de Podemos, en charge du programme jusqu'en 2015.
Sara Porras Sánchez est docteure en sciences politiques, spécialiste du féminisme et membre du comité central du Parti communiste espagnol.
Tania Sánchez Melero est députée à l'assemblée de Madrid. Longtemps membre d'Izquierda Unida, elle a quitté la formation en 2015.
Clara Serra Sánchez est chercheuse et professeure de philosophie à l'université Complutense de Madrid. Militante féministe, elle est membre de Podemos.

Revue de presse espagnole des Leçons politiques de Game of Thrones (2014)

Tommy Lasserre et post-editions, 2015

Ce que dit l'Espagne à la gauche française. Post de Tommy Lasserre sur Médiapart (juin 2015).

Article de Robert Maggiori dans Libération (1er octobre 2015)

Recension par Guillaume Bourain, libraire aux Saisons (La Rochelle) sur France Culture (29 octobre 2015).

Recension par Philippe Nassif dans Philomag (octobre 2015).

Tribune de Tatiana Jarzabek, traductrice des Leçons politiques de Game of Thrones et secrétaire nationale du Parti de Gauche, sur Politis (octobre 2015).

Lecture par Sylvain Quissol sur Zones subversives (novembre 2015)

Recension par Yann Kerjan sur Dailymars.net (mai 2016).

LA CONTRÉE

Metcalf*Ben — 2019-02-08T09:30:00Z

Un roman acerbe, drôle et flamboyant, en forme de réquisitoire contre toute vision béate glorifiant la prétendue bonté originelle des terres du Nouveau Monde. Dans ce premier roman porté par une langue inouïe, Ben Metcalf pose un regard sans concession sur les États-Unis d'aujourd'hui.

Tout commence à la fin des années 1970, lorsque les parents du narrateur décident de s'éloigner de l'influence corruptrice de la ville pour entreprendre un périlleux « retour à la terre » en faisant l'acquisition d'une ferme dans le comté rural du Goochland (État de Virginie). Le jeune homme se trouve alors plongé dans le voisinage d'adolescents déboussolés et d'adultes endurcis que la terre hostile, presque hantée, du Nouveau Monde a fait sombrer dans la folie.

Avec pour protagonistes des parents à la fois violents et pétris de bonnes intentions, des délinquants sexuels racistes, des prêtres à la dérive et des poulets suicidaires, La Contrée transcende les conventions littéraires pour livrer une critique virulente du mythe national américain – à savoir que la terre engendrerait naturellement le Bien, tandis que la ville serait inéluctablement liée au Mal.

La Contrée construit un récit labyrinthique qui sabote de l'intérieur tout ce qui fait le fond de « l'âme américaine » : les fausses évidences xénophobes fondées sur le bon sens ; la croyance dans la prédestination divine ; le recours aux simplifications et aux mensonges les plus grossiers. Résultat d'un travail d'écriture de près de dix années, La Contrée met au jour la part sombre de la nation étasunienne, celle de la puissante minorité sur laquelle les stratèges électoraux ont su bâtir l'ascension de Donald Trump pour le porter au pouvoir.

L'écriture virtuose et explosive de Ben Metcalf révèle que la terre elle-même ne se résume pas à une simple toile de fond, mais qu'il émane d'elle une force profonde et malveillante qui régit la misérable existence de ses occupants. Réquisitoire à la fois impitoyable et farcesque contre la malédiction américaine, La Contrée est probablement le sermon le plus désopilant qui puisse exister sur les États-Unis, et le plus âpre éloge qui soit de sa langue. Avec les accents inédits d'un Faulkner mâtiné de Thomas Bernhard, La Contrée est avant tout une démonstration des puissances infinies de la littérature. Ce texte très remarqué par la critique lors de sa parution en 2015 est l'un des plus lucides, des plus amples et des plus originaux de la littérature américaine contemporaine.

Faulknérien, excentrique, une splendide métafiction Southern Gothic. — Vanity Fair

Iconoclaste… La Contrée entretient une familiarité évidente avec le Southern Gothic, à la fois par son style et par le soin qu'il met à décrire l'ignorance et le caractère grotesque de l'esprit rural. [Un] cousin campagnard de David Foster Wallace. — Thad Ziolkowski, The New York Times Book Review

Exceptionnel par son style et sa lucidité, La Contrée nous entraîne dans la lutte grotesque et angoissée d'une famille aux prises avec les malédictions de l'Amérique blanche rurale. Un roman sauvage et réjouissant. — Joseph O'Neill, écrivain

Les tournures de phrase brillantes dans La Contrée sont si nombreuses qu'il est difficile de choisir ses préférées. Chaque note de solo est interprétée avec une exquise perfection. — Bronwen Dickey, Slate

Recension sur www.nyctalopes.com (17 février 2019).

Recension par Vincent Dozol dans le Nouveau Magazine Littéraire (mars 2019).

TEXTES CRITIQUES

Rivette*Jacques — 2018-11-21T08:23:00Z

Première édition intégrale des textes critiques de Jacques Rivette parus dans la Gazette du cinéma, Arts et les Cahiers du cinéma, complétés d'entretiens et d'importants inédits. Véritable leçon de cinéma généreuse et passionnée, ce volume permet de mesurer l'importance et la cohérence du travail conceptuel et artistique mené par Jacques Rivette entre 1950 et 2009. Indissociablement critique et cinéaste, Jacques Rivette y apparaît comme une référence incontournable du cinéma.

« La critique idéale d'un film ne pourrait être qu'une synthèse des questions qui fondent ce film : donc une œuvre parallèle, sa réfraction dans le milieu verbal. Mais le défaut de celle-ci est d'être encore faite de mots, soumis à l'analyse et aux contours. La seule critique de Sommarlek a pour titre Le Septième Sceau ; la seule critique véritable d'un film ne peut être qu'un autre film. » (Jacques Rivette à propos d'Ingmar Bergman, 1958)

Recueillis ici pour la première fois depuis leur publication entre 1950 et 1969 – dans les Cahiers du cinéma, où il écrit pendant plus de quinze ans, mais aussi dans l'hebdomadaire Arts ou encore La Gazette du cinéma fondée par Éric Rohmer – les textes critiques de Jacques Rivette (1928-2016) constituent une trajectoire étincelante et radicale à travers un cinéma moderne dont il a fortement contribué à écrire l'histoire et à forger l'idée, parallèlement à son propre travail de cinéaste, comme auteur d'une filmographie singulière qui allait se poursuivre sur six décennies.

Ses critiques de films d'Alfred Hitchcock, Roberto Rossellini, Howard Hawks, Otto Preminger, Jean Renoir ou Ingmar Bergman, ainsi que son combat pour la Nouvelle Vague et les nouveaux cinémas du monde entier sur le champ de bataille de la modernité cinématographique, dessinent une pensée remarquablement cohérente et passionnée, qui invente de nouvelles façons d'écrire, attentive aux transformations incessantes d'un art qu'il contribue brillamment à définir par le terme, non sans avenir, de « mise en scène ». À la combative « Politique des Auteurs » des premières années, élaborée au sein d'un dialogue critique permanent avec ses complices des Cahiers du cinéma, François Truffaut, Éric Rohmer, Jean-Luc Godard ou André Bazin, et qui lui permet de défendre avec la même fougue et la même lucidité des cinéastes aussi différents entre eux que Rossellini et Hitchcock, succède avec le temps, poursuivie d'un texte à l'autre, la recherche au long cours, parfois polémique et toujours ardente, d'une définition de la « modernité » au cinéma, en lien avec l'histoire de l'art :

« Si la plus haute pensée de notre époque choisit de s'exprimer par le cinéma, ce n'est point pour accepter ensuite d'être traduite en quelque langue étrangère, mais pour demeurer invisible à qui n'est sensible aux apparences mêmes de cet art. C'est par l'exercice quotidien de son pouvoir que le cinéaste affirme le plus rigoureusement sa pensée, et la plus profonde s'y confond avec la mise en œuvre des éléments apparemment les plus extérieurs, les plus formels : n'est-ce point la marque d'un art parvenu à ce même point d'accomplissement que trouva la musique au temps de Bach ? »

Rendue enfin disponible dans son intégralité, l'œuvre critique de Rivette, qui allie des articles restés célèbres (ainsi sa violente critique du film Kapo en 1961, intitulée « De l'abjection », a fait date dans l'histoire de la théorie du cinéma) aux surprises d'une multitude de textes moins connus, est ici augmentée d'un choix d'écrits inédits, et du dialogue du cinéaste avec Hélène Frappat, « Le secret et la loi », qui projetait en 1999 une précieuse lumière sur son œuvre écrite et filmée.

Chronique Cinéma-passion d'Émile Breton dans L'Humanité (29.11.2018).

Recension par Jacques Kermabon sur Bref (30 novembre 2018).

Luc Chessel parle des Textes critiques de Jacques Rivette, à l'invitation de Tewfik Hakem, au Réveil Culturel de France Culture (12 décembre 2018) :

Recension de Christian Rosset sur Diacritik (13 décembre 2018).

Recension par Gérard Lefort dans Les Inrocks (14 décembre 2018).

Recension par Marcos Uzal dans Libération (4 janvier 2019).

Recension [en anglais] par Srikanth Srinivasan (4 janvier 2019) sur MUBI.

Recension par Florence Colombani et Philippe Azoury à La Dispute d'Arnaud Laporte (15 mars 2019) :

AGNES & SES SOURIRES

Bouquet*Stéphane — 2018-11-20T23:30:00Z

« Logline : Agnès a un cancer. Son ambulancier attitré s'éprend follement d'elle, un périphérique après l'autre. Mais Agnès meurt (malgré l'amour). L'ambulancier qui ne pourra vivre avec elle choisit de vivre parmi elle, au milieu de ses meubles. »

Agnès & ses sourires fait usage des différents formats et protocoles d'écriture imposés par l'industrie du cinéma : synopsis, traitement, description des personnages, note d'intention, etc. Le texte, en forme de spirale, évolue ainsi au fil des répétitions, amplifications et durées dilatées, venant contrecarrer ou confirmer la trajectoire mélodramatique d'Agnès. Des mots circulent en attente d'une promesse d'argent destinée à produire un film dont l'intrigue est faite d'échanges de paroles, d'objets, de gestes et de baisers. Dans La cité de paroles, Stéphane Bouquet écrit : « l'espoir poétique n'est pas là-bas devant […], mais il est l'intensification charnelle du présent, qui, elle est accessible à tous, si chacun y met du sien, y met (de) son corps ».

Stéphane Bouquet est poète (Vie commune, Champ Vallon, 2016), traducteur (de poètes américains dont Paul Blackburn et James Schuyler) et essayiste (La cité de paroles, José Corti, 2018). Il est, par ailleurs, co-scénariste après avoir été longtemps critique aux Cahiers du cinéma. Il a publié des études sur Clint Eastwood, Gus Van Sant, Eisenstein et Pasolini. Il a participé en tant que danseur et dramaturge aux créations chorégraphiques de Mathilde Monnier, Déroutes (2002) et frère&sœur (2005). Il collabore régulièrement au théâtre avec Robert Cantarella.

Recension par Éric Loret dans En Attendant Nadeau (janvier 2019).

Recension par Paul Darbaud sur Poezibao (janvier 2019).

Entretien de Stéphane Bouquet avec Johan Faerber sur Diacritik (février 2019).